10 consejos para encontrar los mejores ángulos de cámara
Más importante que la cámara, lente o la configuración a utilizar es decidir dónde debe ubicarse. Elegir un ángulo de cámara tendrá el mayor impacto en una película y será la pieza adicional que guíe las emociones de la audiencia y la conexión con lo que sucede en la pantalla.
Tener en cuenta los ritmos de la historia de la película y usarlos para informar la ubicación y los ángulos de cámara marcarán la diferencia. Aquí tenemos un conjunto de 10 consejos que ayudan a pensar en el proceso de encontrar un ángulo de cámara que funcione para tu película e historia.
1.- ¿De quién es el punto de vista?
Relacionado con quién se supone que debemos identificarnos en la pantalla. Esa persona debería recibir la mayoría de las tomas. Da un impulso sutil para que la audiencia se conecte más con una persona que con la otra. Si deseamos tener dos personajes en el mismo nivel, se deben equilibrar las tomas entre ellos para que sean uniformes.
2.- ¿Cuántas personas deberían estar en la toma?
Decidir si enfocarse en una persona (generalmente la que habla) o incluir a una segunda persona o grupo puede tener reacciones significativamente diferentes. Mostrar a las otras personas permite a la audiencia ver la reacción y luego sentir esa reacción ellos mismos. Agregar una segunda persona, incluso solo un hombro, también puede hacer que una toma parezca conflictiva.
3.- ¿Cuál es el tamaño de tiro correcto?
Esto siempre va a ser difícil, pero apoyarse en un viejo consejo de Hitchcock de que «lo más importante debe ser lo más grande» es un buen lugar para comenzar. Los primeros planos tienen un impacto por una razón. Si se quiere mostrar más lenguaje corporal es necesario un plano más amplio. También hay que tener en cuenta el tamaño de visualización, ya que hoy en día más primeros planos funcionan mejor con pantallas móviles pequeñas, mientras que usar primeros planos con moderación es más potente en un cine.
4.- ¿Qué tan alta o baja es la cámara?
Disparar desde arriba hace que el sujeto parezca más pequeño y débil, mientras que disparar desde abajo hace que parezca más grande y poderoso. También hay algunas formas de romper esto, pero funciona bien por una razón.
5.- Seguir el ojo o el punto de enfoque
El público, obviamente, mira de cerca el punto de enfoque en la toma. Si mantenemos el mismo punto de enfoque a través de un corte, se mantendrá la audiencia atrapada y comprometida para una transición más fluida.
Por otro lado, si mueve el punto continuamente a través de varias tomas, la audiencia se distraerá o confundirá más (en el buen sentido). Usar esto para alinearlo con la acción o el objetivo de la escena puede enfatizar la historia.
6.- Siente algo
Me gusta llamar a este confiando en tu instinto. Haciendo referencia al director Emir Kusturica: “Cada vez que miras a través del visor de la cámara la toma, tu corazón debería acelerarse”.
Esencialmente, si estás aburrido o simplemente no sientes nada de la toma, es que falta algo.
7.- Cada tiro debe proporcionar nueva información
No importa cuál sea la historia, si no se continúa alimentando a la audiencia con nueva información, no hará avanzar la historia en absoluto. Y una historia que no avanza se vuelve aburrida muy rápidamente. Si estás mostrando información nueva y hay una conexión entre una toma y la siguiente, deberías tener una historia decente que seguir.
8.- Sigue la regla de los 180 grados
Ahora tenemos una regla cinematográfica que debes conocer: la regla de los 180 grados. Básicamente, siempre querrás mantener la cámara en un lado de una línea imaginaria a través de la escena. De lo contrario, la audiencia podría perderse en la ubicación. También puedes romperlo para lograr un efecto creativo que desoriente a la audiencia.
9.- ¿Cuál es la relación física entre los personajes?
Si dos personajes están cerca, deben aparecer cerca y si están distantes, deben estar más separados. Idea bastante simple. El truco está en usar cámaras y lentes para enfatizar o crear el efecto. Los lentes gran angular hacen un buen trabajo al proporcionar espacio, mientras que la compresión de los teleobjetivos puede acercar las cosas.
10.- ¿Dónde está mirando el actor?
Cuanto más cerca mira el actor a la cámara, más poderosa se vuelve la toma porque crea una conexión más directa con la audiencia. Sin embargo, si deseas que el sujeto se sienta más alejado de la audiencia, pídele que mire hacia otro lado. Lo más poderoso es hacer que el actor mire a la cámara y luego se ajuste para estar ligeramente descentrado. Sin embargo, no abuses de este truco, ya que hará que todos los personajes parezcan iguales.
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- mayo 27, 2022
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