La historia de la cinematografía en blanco y negro: desde su muerte hasta la última tendencia de los Oscar

Con una lista monocromática de candidatos al Oscar y una nueva versión de “Nightmare Alley”, ¿qué nos dice la historia sobre esta tendencia actual?

La abundancia de películas en blanco y negro es quizás la tendencia de Hollywood más obvia de este año, con los principales contendientes a los premios «Belfast», «The Tragedy of Macbeth«, «C’mon C’mon» y «Passing» que eligen drenar sus mundos de color. Incluso los cineastas que trabajan en una paleta completa sienten la necesidad de involucrarse con el monocromo, ya sea a través de escenas seleccionadas («The French Dispatch» y «Being the Ricardos«) o lanzamientos especiales de versiones en blanco y negro como «Nightmare Alley: Vision and Darkness and Light«. ”, que le está dando una segunda vida a la película Searchlight.

En la era digital, la transición entre el color y el monocromo parece como un interruptor que los espectadores pueden imitar en televisores y monitores o con un filtro de redes sociales. Pero la cinematografía en blanco y negro no es solo una desaturación de color. Es un arte de luces, sombras, líneas y formas. La cinematografía en color se trata de, bueno… color.

En “Nightmare Alley” de Guillermo Del Toro, cuya presentación teatral monocromática comenzó el fin de semana pasado, intentaron combinar las dos estrategias. Como dijo el director de fotografía Dan Laustsen:

“Cuando diseñamos y filmamos, siempre pensábamos en color y en blanco y negro”, y Del Toro agregó: “Lo iluminamos como si fuera en blanco y negro. Puedes ver exactamente el mismo nivel de diseño”. Estas declaraciones son reconocimientos del hecho de que no puede simplemente alternar entre los dos modos al azar.

Las razones de los cineastas para volverse a los grises a veces son vagas o contradictorias. Señalan varias justificaciones (y siempre parece que hay que justificarlas): su atemporalidad y su evocación del pasado; su magia y su realismo, y eso es solo las películas de este año.

Bong Joon Ho fue más directo sobre sus motivaciones para hacer una versión en blanco y negro de “Parasite” y dijo: “Creo que puede ser vanidad de mi parte, pero cuando pienso en los clásicos, todos están en blanco y negro. blanco. Así que tuve la idea de que si convertía mis películas en blanco y negro, se convertirían en clásicos”. Esta lógica obviamente está invertida; esas películas clásicas generalmente no se hicieron en blanco y negro como una opción estética. Sin embargo, es una elección ahora, una cargada de significado, a veces artística, a veces tecnológica y a veces puramente emocional.

“C’mon C’mon”

2021 puede verse como el clímax de un renacimiento de la escala de grises que ha estado ocurriendo durante más de una década. Nueve películas en blanco y negro han sido nominadas a Mejor Fotografía por la Academia en los últimos 20 años. Eso es más de la mitad del total de 16 desde que la Academia eliminó categorías separadas para cinematografía en blanco y negro y color en 1967.

Si bien es poco probable que el número total de películas en blanco y negro realizadas cada año haya cambiado mucho (dichos datos son difíciles de cotejar), el número de las principales películas de arte de Hollywood e internacionales sin color ha aumentado claramente. Para comprender mejor por qué está sucediendo esta tendencia y qué significa para el futuro del color cinematográfico, echemos un vistazo a la historia del blanco y negro, ya que supuestamente se consideró una reliquia hace 55 años.

Blanco y negro como predeterminado

El color siempre existió en el cine. Pero no fue hasta Technicolor a principios de la década de 1930 que se pudieron capturar todos los colores vistos ante la cámara. Debido a que el proceso era tan difícil y costoso, el color se convirtió en el reino de la fantasía, mientras que el mundo real de la pantalla existía en tonos de gris.

La Academia vio esta división, negándose a considerar la cinematografía en color y en blanco y negro juntas. Después de un par de premios especiales por logros, la cinematografía en color se convirtió en su propia categoría competitiva para 1939, lo que le dio a «Lo que el viento se llevó» una de sus muchas victorias. Esta división se mantendría durante 30 años (un experimento fallido de un año que los combinó en 1957 se consideró preventivo).

A mediados de la década de 1960, las ventas de televisión en color se dispararon y las redes cambiaron a transmisión en color. Instaron a los estudios a hacer más películas en color, que tendrían una vida más larga en la retransmisión. Fue con este incentivo económico que la producción en blanco y negro declinó rápidamente. La Academia reconoció esto y eliminó las categorías separadas en 1967. Ese año, solo uno de los cinco nominados era en blanco y negro: la cruda fotografía de Conrad Hall en «A sangre fría». Luego, el blanco y negro prácticamente desapareció.

Blanco y negro como nostalgia

“The Last Picture Show”

Monocromo pasó a ser visto como la ausencia de color, donde antes el color se había visto como una adición. La próxima vez que una película en blanco y negro fue nominada para un Oscar de cinematografía, fue una pieza de nostalgia, «The Last Picture Show» de 1971. Del mismo modo, “Lenny” (1974), “Raging Bull” (1980) y “Zelig” (1983) (las únicas películas monocromáticas nominadas durante 25 años) tuvieron lugar cuando la monocromía dominaba el cine.

El debut como directora de Rebecca Hall, “Passing”, también tiene lugar en la era del cine en blanco y negro. Desde «Dead Men Don’t Wear Plaid» hasta «The Artist«, las películas ambientadas en la primera mitad del siglo XX son las más desaturadas. Como así vemos la gran mayoría de las imágenes de este período, nuestra imaginación plasma el propio pasado en blanco y negro. En “Passing”, podemos creer más fácilmente que estamos en el Harlem de la década de 1920 si el mundo no se ve como antes, sino como lo hemos visto en fotografías.

Esta asociación con el pasado permitió que la memoria misma se codificara como monocromática. Una nostalgia más personal impregna la autobiográfica “Belfast” de Kenneth Branagh, que comienza con un presente de color antes de desvanecerse en un pasado monocromático. La película también invoca la división de la era anterior, en la que el mundo real es drenado y expresionista, mientras que el mundo de la pantalla y el escenario es de color fantástico. De manera relacionada, «C’mon C’mon» de Mike Mills no tiene lugar en ningún pasado histórico, pero invoca una nota nostálgica que a menudo asociamos con la familia y la infancia.

Blanco y negro como camuflaje

“She’s Gotta Have It”

El auge del cine independiente a mediados de la década de 1980 generó más matices de gris en los festivales de cine de todo el mundo. Desde «She’s Gotta Have It» de Spike Lee hasta «Stranger Than Paradise» de Jim Jarmusch, estas películas tenían poco que ver con la nostalgia. Más bien, era justo lo que podían permitirse. Incluso si el material de la película tuviera el mismo precio, era (y es) mucho más caro hacer que la cinematografía en color (y el diseño de producción) se vea bien.

El blanco y negro oculta los defectos y las deficiencias de una forma en la que el color nunca lo ha hecho. Billy Wilder reconoció esto en 1959 cuando él y Charles Lang filmaron «Some Like it Hot» en blanco y negro, desafiando las expectativas del género para la comedia. Razonó que Jack Lemmon y Tony Curtis solo podían pasar plausiblemente por mujeres en los indulgentes tonos de gris.

Asimismo, el director de fotografía de “Passing”, Eduard Grau, usó este efecto para enfatizar la ambigüedad racial en el centro de la historia de la película. Como le dijo al New York Times:

“Al principio no queríamos mostrar claramente a la audiencia si nuestros personajes eran blancos, negros o mestizos. Todo es tan brillante que es difícil saberlo”.

Blanco y negro como estética de élite

Liam Neeson in “Schindler’s List”

En la década de 1990, la asociación anterior del color con la fantasía y el blanco y negro con el realismo se había invertido por completo. Su rareza resaltó la estética inherente del monocromo. Hace que los rostros sean hermosos, la violencia agradable al paladar (ver «Kill Bill Vol. 1«) y las atrocidades más digeribles. La «Schindler’s List» de Steven Spielberg (1993) fue la primera película en blanco y negro en ganar el Oscar a la fotografía desde que colapsaron la categoría 26 años antes. En ese momento, parecía una casualidad, una apuesta que solo el director más taquillero de la industria podía hacer.

A pesar de la resistencia financiera profundamente arraigada, en la década de 2000, comenzaron a aparecer películas desaturadas en el prestigioso mundo de las casas de arte de grandes cineastas como Joel y Ethan Coen («The Man Who Wasn’t There«, 2001), George Clooney ( “Good Night and Good Luck”, 2005) y Michael Haneke (“The White Ribbon”, 2009). La nítida elegancia de estas películas, todas nominadas al Oscar y, por supuesto, ambientadas en el pasado, las hizo destacar en una nueva era de manipulación del color.

La gradación de color digital se introdujo en Hollywood en la década de 1990 y se usó por primera vez para alterar una película completa en 2000 («O Brother, Where Art Thou?«) de los Coen. La tecnología pronto reemplazó las técnicas de laboratorio existentes y se convirtió en una práctica estándar en todas las películas, a menudo utilizada para crear paletas de colores únicas o para ocultar las deficiencias de los efectos visuales digitales. También podría usarse para representar el mundo en tonos de gris.

La facilidad con la que la decisión de hacer una película en blanco y negro se puede, en teoría, tomar (y deshacer) es claramente un factor en la tendencia actual, y probablemente sirve para ayudar a convencer a los productores de aceptar la decisión. Dado que todas las películas se someten a la manipulación del color en la posproducción, incluida la gran desaturación en muchos éxitos de taquilla, experimentar con una paleta monocromática conlleva un riesgo mucho menor. “Nebraska” (2013), “Ida” (2014), “Roma” (2018) y “Cold War” (2018) tomaron este camino. Incluso películas de acción como «Mad Max: Fury Road«, «Logan» y «Justice League» han ofrecido ediciones monocromáticas posteriores al cine.

“The Lighthouse”

En 2018, por primera vez desde que la cinematografía en blanco y negro perdió su propia categoría, dos películas fueron nominadas y una de ellas ganó («Roma» fue el primer ganador monocromático desde «Schindler«). Esta creciente normalización probablemente permitió que Robert Eggers y Jarin Blaschke pudieran filmar “The Lighthouse” en material de película real en blanco y negro (lo que significa que ni siquiera existe un registro en color de la película). Ninguna película que compitiera por los premios se había filmado en blanco y negro desde que Spielberg luchó por ella en 1993 y, sin embargo, sucedió nuevamente este año en la sección monocromática de «The French Dispatch«.

El futuro en blanco y negro

El exceso de películas de este año nos ruega que miremos más allá de la belleza monocromática y contemplemos cómo se utiliza la técnica. Las cinco películas actualmente en competencia por los premios (aunque hay muchas más) lo están utilizando de diferentes maneras para expresar la estética deseada por sus directores.

Si bien esa estética tiende a lo histórico para la mayoría, el trabajo de Bruno Delbonnel en «The Tragedy of Macbeth» de Joel Coen se destaca en muchos aspectos. El director de fotografía invoca la atemporalidad y la estetización del estilo diciendo: «Está destinado a traer teatralidad y perder la temporalidad». La fotografía enfatiza la abstracción del escenario, en lugar de ocultarlo. El mundo no es real, pero es cohesivo, fusionado por sus tonos de gris, muy parecido a la película que Coen invocaba con más frecuencia al hablar sobre él, la obra maestra de Carl Dreyer de 1928 «The Passion of Joan of Arc«.

“The Tragedy of Macbeth”

La atemporalidad del blanco y negro no se trata solo del escenario de la película, sino de la experiencia de la realización cinematográfica en sí. El color data de una película, desde el aspecto Technicolor de mediados de siglo hasta la apagada década de 1970 o los azules grisáceos acerados de finales de la década de 1990. Pero si no supieras las edades de los artistas, ¿podrías realmente decir cuándo se hicieron «Raging Bull» o «Good Night and Good Luck«? La estilización del blanco y negro lo desvincula del tiempo y el espacio de una manera que Bong consideró clave para convertir sus películas en «clásicas».

Después del exceso de películas en blanco y negro de este año, es probable que la tendencia disminuya. Surgirán nuevas modas (¡voto por colores vivos Technicolor o colores primarios Godardianos!). Pero el blanco y negro ha demostrado durante los últimos 50 años que nunca desaparecerá. Sus asociaciones culturales, con nostalgia, pasado, realismo, estetización, pueden cambiar con el tiempo, pero una cosa nunca cambiará: es simplemente hermoso.

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  • enero 19, 2022

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