Los 12 cortes y transiciones más utilizados en edición de vídeo
Las transiciones elegantes y divertidas son comunes pero pueden volverse aburridas si se usan en exceso. No es que nunca se deban usar, pero debemos tener cuidado sobre cuándo y cómo hacerlo.
1. The Hard Cut
Es un corte sencillo y básico. En un cuadro estás en una toma, en el siguiente estás en otra. Este es un corte de acceso ya que no distrae del contenido. Verás esto cuando las escenas pasen de amplias a primeros planos o cuando varias personas hablen, se cortará de un lado a otro.
Una cosa a tener en cuenta es la regla de los 30°, que dice que cuando haces un corte querrás que el ángulo sea al menos 30° diferente. De lo contrario, puede ser muy discordante. Lo mismo se aplica al pasar de un medio/ancho a un primer plano, y viceversa. Si el cambio no es suficiente, el espectador simplemente se siente mal. Eso en realidad lleva perfectamente a…
2. The Jump Cut
Esto es cuando no tienes un cambio dramático entre tu perspectiva para un corte duro y puede ser discordante. Si bien desea evitar cortes de salto no intencionales, en realidad se pueden usar para ayudar a mostrar el paso del tiempo o para hacer que las cosas se muevan más rápido.
Es muy útil para acortar un clip que se siente largo. También puedes hacer trampa con cortes de salto si usas tripié, ya que minimiza el impacto general del corte.
3. The “L” Cut
Otro corte simple para vídeo, el corte L en realidad se refiere al audio. En pocas palabras, el corte L es cuando el audio de tu primer clip continúa después de cortar visualmente al segundo clip.
Si observas la línea de tiempo, el primer clip y su audio forman una L. Tiene sentido. Puede ayudar a suavizar una transición y un buen ejemplo es alejarse de alguien a una toma de reacción mientras todavía está hablando.
4. The “J” Cut
Frente al corte L, el corte J es para cuando el audio del segundo clip comienza antes del vídeo. Nuevamente, el nombre proviene de las imágenes que parecen una «J» en la línea de tiempo.
Ayuda a preparar a la audiencia para el siguiente clip antes del corte visual. Se usa comúnmente como una transición entre escenas o ubicaciones dramáticamente diferentes. El audio marca una gran diferencia en la edición.
5. Cutting on Action
Una versión más específica del corte básico o corte de salto, esto implica hacer coincidir el punto de edición con un momento de movimiento en la escena.
Puedes usar esto para cambiar ángulos sin problemas cuando alguien está caminando, abriendo la puerta de un automóvil o prácticamente en cualquier momento que suceda algo. Debes tener mucho cuidado con el cuadro que usas, porque suele haber un momento pico donde el corte es más efectivo.
6. Cross Cutting
Reunir dos escenas diferentes puede depender del corte transversal. Esencialmente, solo continúa cortando entre dos escenas diferentes. Esto puede implicar una relación entre la acción en ambas escenas o que están sucediendo al mismo tiempo. O ambos.
Por lo general, terminará en un solo lugar cuando la acción de ambas escenas se una.
7. The Cutaway
Cuando se aleja de la acción principal a una toma de inserción enfocada en algo diferente y luego regresa a la acción principal, estás utilizando el Cutaway. Nombre sencillo para este.
Un uso muy común es para ocultar cortes de salto. Esto se encuentra comúnmente en los vídeos de cabezas parlantes en los que se habla de algo que no sucede en el mismo lugar y se sigue interrumpiendo entre el rollo A y el rollo B.
8. The Match Cut
Cuando un Match Cut se hace bien, puede ser increíblemente impactante. Esto es cuando cortas entre tomas que tienen fuertes similitudes visuales.
Esto podría significar que el encuadre es el mismo con el sujeto o que el objeto real en la pantalla coincide bien tanto en ubicación como en tamaño con la siguiente toma. Los ejemplos incluyen vídeos testimoniales en los que todos están enmarcados de la misma manera o hacer un vídeo divertido en el que una persona camina a través del marco y parece cambiar el fondo sin problemas a mitad de camino.
9. The Smash Cut
Pasar de una acción intensa a una escena tranquila, o viceversa, es discordante. Tiene sentido que el corte aplastante se llame como si estuvieras juntando dos momentos muy diferentes.
¿Quieres un ejemplo fácil? Alguien que se despierta abruptamente de un sueño lleno de acción. Pasa de intenso a calmado muy rápido. El ejemplo opuesto es ver una toma de la naturaleza antes de que algunos autos pasen ruidosamente.
10. The Crossfade
Ahora para los desvanecimientos. El Crossfade es un estándar e incluso incluye el fundido de entrada o salida a negro al principio y al final de muchos proyectos. Es una forma más suave de transición que un corte básico y ralentiza el ritmo.
También puede mostrar una transición a un mundo o escena diferente, piensa en un momento de ensueño desde el rostro de una persona hacia el sueño. También puedes agrupar complementos como ediciones de la vieja escuela que deben reservarse para cuando el momento lo requiera. No en exceso.
11. Camera Movement Cut
Cuando tienes una buena cantidad de movimiento de cámara en tus tomas, puedes hacer un corte de coincidencia suave basado en movimientos de cámara similares.
Si tienes un whip pan a la derecha que termina un clip y un whip pan a la derecha que comienza con otro, esto puede resultar en un corte suave y enérgico. Solo úsalo con moderación para mantenerlo interesante.
12. Invisible Cut
Otra transición «sin costuras», esta técnica se usa para ocultar sus cortes. Se usó ampliamente en la película reciente 1917 para crear la apariencia de que todo sucede como una sola toma.
Este corte se puede lograr usando cosas como objetos que se mueven a través del cuadro o una escena que se desvanece completamente a blanco o negro y luego usando un corte a la misma cosa en una toma diferente para que parezca que nunca hubo corte.
Esta es una lista sólida y si todavía estás aprendiendo a editar, es una buena manera de experimentar. Pruébalos todos y en las mismas escenas que ya tienes para ver cómo cambian la sensación de una escena.
- Blog
- julio 14, 2022
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